Yernos que aman, de Abel Zamora. (La Pensión de las Pulgas)

La familia de Abel Zamora de este texto parece sacada del universo de John Waters. Literal. Por lo bizarro, lo costumbrista, y lo extremo. Según avanza la trama, los miembros de esta familia, con sus pequeños dramas, y esos universos personales de cada uno de ellos, se van transformando en un cuadro surrealista, en retratos a los Francis Bacon, retorcidos, difuminados, y terroríficos. 

El terror esta presente en todos ellos: el terror a la soledad, a la incomprensión, al que dirán, al amor, al compromiso, a superarse, y sobretodo, al pasado. Todos se conforman con lo que tienen, han tenido, o van a tener. Y todo motivado por ese miedo a estar solos; y por el amor, aunque duela, y nos haga sentirnos miserables. 

Si recientemente disfrutábamos con la familia de "August: Osage County" de Tracy Letts, tanto en el cine como sobre el escenario del Teatro Español, esta familia de Abel Zamora se disfruta aun más, por la locura que desprende, la violencia gratuita que aplican todos sus miembros, y esa conjunción de la realidad con las ensoñaciones de los personajes. Ensoñaciones que a veces hacen un efecto de espejo, en el que lo que reflejamos, no es lo que nosotros vemos, o queremos ver, en algunos casos, y la realidad se ve alterada, y terminamos proyectando lo que mas fácil se nos hace asimilar. Como cita la madre en un momento (tremenda Mamen García), ella cuida, es su instinto, y quiere ver una familia unida, y feliz, aunque sea por un momento, en una cena, aunque sea una realidad falseada. 

La dirección de actores es maravillosa, y aunque haya personajes mas agradecidos que otros, e historias secundarias roben el protagonismo de la (aparentemente) principal, las interpretaciones de Marta Belenguer como la hermana cruel, Juan Caballero, como el militante de las juventudes del PP, o la grandiosa intervención de David Matarín, quedarán grabadas en mi memoria a fuego.

Marta Belenguer, Juan Caballero, Manolo Caro, Mamen García, Emilio Gavira, María Maroto, David Matarín, Mentxu Romero, Ramón Villegas y Abel Zamora.

El texto de Abel Zamora con ese humor negro, y esa disección de los personajes, tan de cirujano, hacen que las dos horas de duración se pasen en un suspiro. Y especial mención a la selección musical y referencias populares, tan "white trash", que espero que alguna editorial teatral se digne a editar el texto porque necesito revisar ciertos momentos para aplaudir yo solo en casa. 

Quedan pocas funciones, y aunque últimamente parece que os recomiendo ver todo lo que se programa, es realmente loable que en el verano tengamos productos que nos alegren las tardes y las noches, aunque la temporada teatral "oficial" haya finalizado. Larga vida al teatro Off, y larga vida a los jóvenes dramaturgos. 

Un Hombre Con Gafas de Pasta, de Jordi Casanovas. (La Pensión de las Pulgas)

Sorprendido y shockeado después de esta representación. La energía que desprende la habitación grande de La Pensión de las Pulgas, en la que tan pronto se perpreta el asesinato de un rey, como se transforma en una fiesta fetish, como asistimos a una cena de amigos, con cita a ciegas, para superar una ruptura amorosa, como el caso que nos ocupa. Comedia ligera que de pronto se torna en thriller psicológico, de esos que te atrapan y lo recibes como una bofetada, por inesperado, porque, ¿qué puede salir mal estando entre amigos?

Esta obra, escrita y dirigida por Jordi Casanovas, podría tratarse del nuevo guión "malrrollero"  de Haneke, o de un texto escondido en un altillo de la casa de Hitchcock, y lo creeríamos, porque la estructura (cuya clave está en el propio texto y en los cuentos de la protagonista), el ritmo, y las sensaciones que provoca, me llevan a ellos. Con la excusa de hablarnos un personaje que todos hemos tratado alguna vez, una persona con mucho mundo, artista multidisciplinar, que se mueve en círculos exquisitos, con los contactos apropiados, y que su sola presencia aporta calidad al evento en que esté presente; Jordi nos abofetea con nuestra obsesión de gustar a los demás, que lo de los otros es mejor que lo nuestro, que los otros son mejores que nosotros, y que necesitamos de esos "otros" para que nuestra existencia sea menos mediocre, menos vacía. 

Y de eso va todo, de "dejar de ser mediocre" como Marcos sugiere a Óscar en un momento de la obra. Y nos damos cuenta que ser mediocre no está tan mal, que al menos nuestra existencia corriente nos permite vivir sin aprovecharnos de los demás. Que todos esos vampiros del s. XXI que se alimentan de la energía de los demás, como cita Aina en el texto, son solo "comeorejas" profesionales, gente que aprovecha esos resquicios de debilidad que todos tenemos en algún momento, pero que si simplemente abrimos los ojos, y nos quitamos esa venda que puede ser de amor, infelicidad, crisis de identidad, todo tiene solución y está en nosotros mismos, en querernos mas, y apreciar esas pequeñas cosas que hacemos para ser un poco mas felices o buscar nuestra meta en la vida. 

Los cuatro protagonistas están tremendamente dirigidos por Jordi Casanovas, y sus interpretaciones son de premio. José Luis Alcobendas como Marcos, el hombre con gafas de pasta, está soberbio, al igual que Inge Martín y Olga Rodríguez como Aina y Laia. Pero la palma se la lleva Markos Marín. Óscar. Brutal. Y no podría añadir mas. Un bravo y un ole y un viva. 

Como me pasa en otras ocasiones, contar mas del argumento, en este caso, si que supone quitar parte de la magia de la representación, y no es justo. Id abiertos a sorprenderás y a disfrutar muchísimo. Aunque creo que hoy era la última representación, espero que lo sea únicamente de la temporada, porque esta obra se merece ser rescatada una y otra vez. 

Los estrenos imprescindibles de la temporada 2014-2015 del CDN.

Hace ya unas semanas que se publicó la programación de la nueva temporada del CDN en todas sus salas, y aprovecho ahora para hacer una selección de las representaciones que considero un "must see" de Septiembre de 2014 a Junio de 2015. Vértigo, ¿verdad? Ahí voy.

• Haz clic aquí, de Jose Padilla (del 15 de octubre al 23 de noviembre de 2014. Sala Princesa del Teatro María Guerrero): Obligatorio, no ya por el texto y dirección de Jose Padilla, sino porque la grande Inma Cuevas está en el proyecto. Ya fue estrenada en Diciembre de 2013, dentro del ciclo "Escritos en la escena" y nos plantea una pregunta, como indica Jose Padilla: ¿puede el ejercicio de la libertad en redes sociales sustituir a la acción de la justicia?

• El Testamento de María, de Colm Tóibín (del 19 de noviembre al 21 de diciembre de 2014. Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán): Blanca Portillo será María. Creo que ya está todo dicho. El texto fue adaptado por el autor, de su propia novela, y pensando en Meryl Streep para interpretar el monólogo, aunque fue finalmente Fiona Shaw quien lo protagonizó. El texto relata la versión de María en torno a la muerte de su hijo.

• Fausto, de Goethe (del 21 de noviembre al 11 de enero de 2015. Teatro Valle-Inclán): Vuelve Tomaž Pandur a Madrid, tres años después de "La Caída de los Dioses" en el Matadero de Madrid. Ya resuena el nombre de Pablo Rivero en el proyecto, como lo hizo en el proyecto anterior, pero poco mas se sabe al respecto. Estrenada en 1990 en Eslovenia, veremos con qué nos sorprende en esta versión, ya que el equipo que se encargó de la escenografía originalmente, ha cambiado.

• Rinoceronte, de Eugène Ionesco ( del 17 de diciembre al 8 de febrero de 2015. Teatro María Guerrero): Con dirección de Ernesto Caballero, es de nuevo otra grande la responsable de que esta versión sea imprescindible la próxima temporada. Fernanda Orazi, acompañada de Fernando Cayo y Pepe Viyuela, protagonizarán esta obra del teatro del absurdo, en la que toda una población sufre una metamorfosis en rinocerontes, excepto uno de los habitantes, que casualmente es el borracho del pueblo.

• La Piedra Oscura, de Alberto Conejero (del 14 de enero al 22 de febrero de 2015. Sala de la Princesa, Teatro María Guerrero): Con dirección de Pablo Messiez e interpretada por Daniel Grao, el texto indaga, según palabras del autor, en todos aquellos que quedaron al margen de la foto oficial de la Historia. Será un diálogo entre dos personajes, uno de ellos Rafael Rodriguez Rapún, compañero en los últimos años de vida de Federico García Lorca. Pablo indica que la palabra será la gran protagonista, el acto de nombrar para recordar, y al que se dará gran importancia a la creación del espacio sonoro. 

• Hedda Gabler, de Henrik Ibsen (del 24 de abril al 14 de junio de 2015. Teatro María Guerrero): Dirección de Eduardo Vasco, y Cayetana Guillén Cuervo interpretando a esa mujer recién casada con un hombre al que no ama (Ernesto Arias) y que ahogada por el hastío, emprende una espiral de destrucción personal y de su entorno. 

Así que con estas seis obras destacadas, mas todo lo demás que queda aún por confirmar, ya tenemos un buen año programado. Empecemos a tomar nota en las agendas! 

Amores Minúsculos, de Iñaki Nieto, basada en el cómic de Alfonso Casas. (Nave 73)

 Esta historia es un homenaje a esos amores fugaces que todos hemos tenido, esas pequeñas relaciones de edición limitada que son tan reales y nos enseñan tanto o más que ese hipotético amor de cuento de hadas que tal vez llegue, tal vez no. 
Porque en las pequeñas historias también se viven grandes momentos.
Porque los más grandes amores empezaron siendo... 
Amores Minúsculos.

Porque no solo las grandes hazañas merecen ser contadas.

Al igual que Diego Rebollo, integrante del trio creativo que ha dado vida a este proyecto, que quedó prendado del título de un cómic de Alfonso Casas, y tras ello se puso en la pista hasta dar con la obra que nos ocupa, yo también quedé intrigado por el título de esta novela gráfica, a principios de este año, y justo en un momento en que me encontraba inmerso en una de esas pequeñas relaciones, que hacía aguas por todas partes, y esa fue la razón por la que no quise leerla, por miedo a darme de bruces con una historia demasiado veraz. 

Cual fue mi sorpresa que hace un mes, mirando la cartelera, mi compañero de hazañas DJ, Fernando Bside, me pone en la pista de la adaptación al teatro del cómic, y no pudo mas que acrecentar mi curiosidad al respecto. Sala alternativa, doble reparto, comedia romántica urbana... No puedo evitar confesar mis suspicacias al respecto del oportunismo de este estreno, en la estela de éxito que sigue a "Los Miércoles no Existen" de Peris Romano, pionera de este doble elenco, con matices diferenciadores, y que comenzó igualmente en una sala que empezaba en ese momento su rodadura, El Sol de York. 

El trabajo de adaptación de Iñaki Nieto es bueno, por trasladar todo ese universo tan detallado en la obra de Alfonso, a las tablas, aunque se haya decidido dar mayor peso en la historia a un personaje secundario, como el de Nacho, pero que es precisamente este pequeño giro el que imprime mayor carácter a la representación, y es esta historia la que logra que el publico se interese mas, y empalice totalmente con historia de casualidades y destino.

Porque es eso, el destino y el amor, el motor de toda la obra, transmitiendo un mensaje de optimismo, y de que si dedicamos los esfuerzos necesarios en la persecución de aquello que queremos, todo tendrá un buen final, y que la búsqueda de nuestro lugar en el mundo y el luchar por nuestros sueños, merece la pena. 

Si la novela gráfica consta de tres capítulos y un 'epílogo', en la obra, a parte de los protagonistas de cada capítulo, que son Jaime, Nacho, Laura, aquí también se presentan en primera persona los otros componentes de la historia, Eva, Carlos y David. 

En el elenco #Deseo, que es el que pude disfrutar, destaca sobre todos una Elena Alférez (Laura) entrañable, cercana, veraz, y divertida, muy en la línea de una grande como Inma Cuevas, la cual me vino de forma instantánea al ver a esa chica frágil, torpe y pizpireta, que dibuja tan bien Elena, y que hace disfrutar tanto al público. El carisma de Guillermo Barrientos (Nacho) es indudable, y muy alejado de la imagen televisiva que tenía de él. Muy lograda esa cercanía con el publico que hace que sea su historia la que arranque mas sonrisas furtivas, y mas lágrimas. Pablo Castañón (Jaime) le pone quizás demasiado atractivo físico al personaje del cómic, pero no en un mal sentido. Héctor González (Carlos) logra que nos caiga simpático su personaje, Jose Asunción (David) y Mariona Tena (Eva) quedan eclipsados por el resto de sus compañeros, pero igualmente transmiten mucho en sus intervenciones.

He preferido no contar mucho de la historia, porque ya lo habréis leído en otras partes, y prefiero que os dejéis llevar y os concentréis en lo que tenéis delante, para no reparar en el (único) aspecto negativo que he encontrado hoy, la incomodidad de la sala. Chicos de Nave 73, esas gradas, son matadoras, y se que cuanto mas arriba, mayor calor, por comentarios recibidos. Y atención altos, y la viga de la fila 5! Creo que es un aspecto a mejorar, y una disposición diferente del graderío y las localidades, opino que mejoraría las condiciones del público, y de la experiencia completa. 

Eso si, la cafetería es un lujo, con esos sofás, y esas mesas/pupitres, y el buen cafe, y el buen olor, y la carta de tes, y el personal simpatiquísimo y muy atento, y los precios. Bravo. Dan ganas de ir solo a echar la tarde con vosotros. 

Concluyendo, teatro del que gusta, del que entretiene, del que te toca, y del que recomiendas a todos tus amigos ir a ver. Eso si, corred porque han prorrogado el mes de Julio, y las entradas vuelan, y quien sabe si estarán en Agosto (aunque si se van, vuelven seguro seguro). 

Another Me, la gemela mala de la Coixet.

En shock me encuentro después de visionar semejante despropósito de película, de la que he dicho por las redes que considero la Sofia Coppola española. Todo lo que hace la Coixet (nótese que ya no tiene ni nombre, sino un artículo, cosa que reservo para las grandes) es garantía de calidad.

Que si, que si todo muy gafapasta (como ella), que si bien de intensidad, pero al final ese ritmo que imprime en todo lo que hace, y ese exámen pormenorizado de la psicología de los personajes, son los que hacen que la Coixet sobresalga, y que nos entregue cosas como "La Vida Secreta de las Palabras" o ese "Ayer no termina nunca" que era teatro puro en pantalla ( y el cual moriria porque se llevase a las tablas, con Peña y Cámara, porque seria un peregrinar para verles).

Bueno, después de esta declaración de intenciones, y quedando claro que yo soy 'coixetista', me voy a despachar con "Another Me" , porque hija, Isabel, que sabemos que la anterior salió de tu bolsillo por entero, y que no recuperarías ni la mitad (una pena, todo sea dicho), y que todos tenemos que comer, pero sacrificar tu talento creativo y un sello tan propio en semejante ¿producto? me ha parecido un suicidio profesional, que enmendarás con esas dos que ya tienes entre manos.

Tenemos a la 'tronista' Sansa, en plena edad del pavo, con un padre al que acaban de diagnosticar esclerosis múltiple, y una madre infiel,, y ella compitiendo por ser Lady Macbeth en su instituto de Cardiff. Todo un drama, todo muy Coixet. Pero ahí acaba todo. Mas allá de ese planteamiento, empieza la locura, creando un nuevo genero fílmico al que podríamos calificar "Absurdo ++".

El "Absurdo ++" se caracteriza por la narrativa de telefilm mediocre, los diálogos de risa, actuaciones propias de una lectura del guión cuando lo recibes en el correo, y la invitación al espectador a que juegue durante el metraje a imaginarse qué reparto loco haría que la película al menos le entretuviese. Yo he jugado a imaginarme a María Valverde, Mario Casas, Belén Rueda y Antonio Resines. Os reto a que me indiquéis vuestro "Crazy Cast" en los comments o por las redes porque nos vamos a reir. 

El guión para estar basado en una novela, deja con la curiosidad de si la tal Catherine MacPhail sale bien parada en la adaptación. Secretos del pasado, remordimientos de conciencia, mujeres superadas por las circunstancias, y en general, que ser una adolescente emo, es muy duro, tías. 

Lo que podría haber sido una metáfora de la ansiedad que genera el crecer, de como superar las adversidades ante una realidad tan dura como la que vive la protagonista, y ser un acercamiento al cine teen de lo que fue el "Black Swan" de Aronofsky (en la que pensé de inmediato cuando comenzó el film), se queda en un videoclip inconexo y absurdo, que efectivamente consigue lo que la propia Isabel ha declarado, que es que quería alejarse de su universo, hacer algo que no pareciese suyo, y acercarla al mundo adolescente. Lo que parece que ha intentado conseguir es que nos alejemos de ella, y a partir de ahora miremos de reojillo ese "Una película de Isabel Coixet".

En resumen, no os molestéis en verla en cine. Esta si que no. En unos meses todos podremos disfrutarla en nuestro hogar comprando cualquier pack de máscara de pestañas del Dia, de la gama "Panda Eyes" (que era el título provisional de la película). 

Y lo dicho Isabel, que si quieres mandarnos a Rebeca Khamlichi y a mi un DVD de alguna de tus pelis, en compensación por el mal rato, que mas que bienvenido. Un beso guapa! 

Los Mácbez, de Andrés Lima. (Teatro María Guerrero. Sala Principal)

No puedo empezar este post sin indicar que la sombra del MBig de La Pensión de las Pulgas, es alargada.  La que, hasta el momento, es la versión definitiva de Macbeth estrenada hasta la fecha (sin pecar de pretencioso, porque si la habéis visto, no podréis negarlo) está demasiado próxima en el tiempo como para poder abstraerte durante la representación de Los Mácbez, y que no te vengan a la cabeza las mismas escenas, y empezar a hacer comparaciones.

Esta adaptación de Juan Cavestany dirigida por Andrés Lima, nos sitúa en Galicia en la lucha por el poder por la presidencia de la Xunta. Cargos otorgados a dedo, champagne del caro, acuerdos cerrados en prostíbulos, alianzas insospechadas, manos manchadas de sangre, literal y figurada. La corte escocesa del s. XI y la clase política española del s. XXI tienen mas en común de lo que en principio pudiese parecer. La superstición, lo inmoral, y que el fin justifique los medios siguen estando presentes.

El matrimonio Mácbez de Machi y Gutiérrez, así como la corte de políticos que les circundan, son personajes trágicos, con una vis cómica, como comenta Andrés Lima en una entrevista, acercándoles al esperpento de Valle Inclán. Interpretaciones correctas, pero alejadas de papeles anteriores de ambos. Bien, sin más. 

A pesar de, no ya las malas criticas, sino el silencio que parece gravitar en torno a este proyecto, del que me esperaba algo muchísimo peor que lo representado, sorprende que sea el publico de edad mas avanzada el que "apoye" este estreno, a pesar de lo arriesgado de la puesta en escena. Comentarios de "Uh! Que ordinario!" y "Ya salen las travestis" nos rodeaban, y parecían no captar el tono lynchiano de ciertos momentos, o la violencia en tonos claros a lo Erwin Olaf. 

Destaco la labor de vestuario de Beatriz Sanjuan. Impecable y de un gusto exquisito. Ella es también la encargada del espacio escénico, todo un acierto. Una caja blanca, de la que esperaba se sacase mas partido con el juego de luces y sombras, pero que aun así, funciona como espacio aséptico para enmarcar esas palabras y actos brutales, no con precisión de cirujano, sino a golpe de cuchillo jamonero. Eché en falta que ese blanco no se ensuciase, que no hiciese aparición un rojo sangre que manchase las paredes por la matanza en la ascensión al poder.

Aún queda tiempo hasta el 15 de Junio para acercaros a echar un ojo. Interesante y arriesgada propuesta. Si no te gusta, al menos te hará reflexionar sobre la última y escalofriante escena. Demasiado real. Demasiado próxima. 

Misántropo, de Miguel del Arco. (Teatro Español. Sala Principal)

- Lo que yo quisiera escuchar, Alcestes, es qué necesitas para ser feliz.
- Quiero... que me distingan. Quiero que no me confundan. Quiero un amigo que no sea amigo de todo el género humano. Quiero que seamos honestos. Quiero que nuestras palabras muestren el fondo de nuestros corazones. 

El tercer trabajo de Kamikaze Producciones, después de la genial "La Función por Hacer" y "Veraneantes", adquiere el carácter de magnifica. Su capacidad para enganchar desde el primer momento,empalizar con el protagonista,  y mantenernos pendientes de qué le espera a Alcestes en esa fiesta de "amigos" a la que ha asistido, es algo que no abunda en el panorama actual.

La libre adaptación de "El Misántropo" original de Molière, sigue describiendo el desagrado del protagonista por el genero humano y la sociedad del momento, pero 348 años después. La falsedad, lo deshonesto, las amistades forzadas e interesadas, luchas de poder, venganzas personales, y el ascenso social a cualquier precio, siguen formando parte de lo que somos y de cómo nos comportamos. 

Durante toda la representación gravita el "Carpe Diem" que quieren disfrutar los personajes, no importa cuales sean las consecuencias; el "aquí y ahora", el "lo que dure, dure" y esa sentencia final que "hay tanta fusión de escándalos" que nadie se acordará mañana del tuyo.

Alcestes es ese habitante de la caverna de Platón, pero a la inversa, que ya fuera de la misma, ve las sombras de sus compañeros del interior, meras apariencias de lo que realmente son, y que utilizan la retórica como el arte de enmascarar la verdad, para persuadir y regalar los odios a los demás y lograr el fin ansiado. 

El texto de Miguel del Arco suma la alegoría a las distintas partes de un discurso de la retórica, educándonos para que seamos mejores, y no solo nos comportemos como debemos, por una convención social, sino como el camino para eliminar la hipocresía de nuestras vidas.

Israel Elejalde está soberbio en el papel protagonista, pero ahí está a la zaga Raúl Prieto, al que me  alegra haberle visto crecer sobre las tablas desde aquella "Señorita Julia" en la que desprendía ese magnetismo que se ha convertido en un gran talento. Bárbara Lennie, magnifica como siempre. Manuela Paso en un papel que se merece una ovación, y Cristobal Suarez bordando un histriónico Oronte. Ejemplar dirección de actores. Bravo y bravo. Ah! Y mención especial a esa canción de Asier Etxeandía que pone los pelos de punta, ese actor que sin estar presente, conmueve y agita.

Obra IM-PRES-CIN-DI-BLE, hasta el 22 de junio en el Teatro Español. De esas de no cansarte de repetir y repetir y repetir.